摘要:静物油画是一种以静态物体为表现与研究对象的绘画艺术形式，静物油画在形式和内容上的差异体现了其独特的审美价值，对静物油画的审美价值进行研究，在审美艺术上促进了绘画技巧和自身价值的提高。鉴于此，从多方面对静物油画的审美特征和审美价值进行了研究和探讨。

关键词:特征;审美价值;静物油画

当代是艺术繁荣的新时代，静物油画能否将时代感和艺术文化性展现出来的关键因素是油画艺术家的责任感和感受力。其中，感受力指的是油画艺术家根据自己的生存经验对知识结构和社会文化接触的灵感性，换句话说，感受力就是油画艺术家对自己的生活经验或者知识结构的升华，并将其内化为艺术作品的内涵。基于这一层关系，我们可以发现，静物油画的审美价值和油画艺术家自身文化底蕴、生活经历、知识结构以及对绘画艺术的理解等因素存在着莫大的关系。

一、静物油画的由来

(一)静物油画的出现

最早记载静物油画是在罗马时代，当时静物油画已经出现但没未得到很好发展。正式发展静物油画是在16世纪初，尽管在此之前的静物油画仅作为宗教画和历史画的点缀，但伴随着文艺复兴运动的兴起，静物油画获得了发展机会。直到17世纪，静物油画已蔓延到北欧的荷兰及佛兰德斯等地，直到发展成为独立样式的绘画艺术[1]。

(二)静物油画的表现形式

静物油画的产生使当时人们的生活变得丰富多彩，但艺术源于生活也高于生活，所以，当时油画的灵感仍不离宗教，从当时油画作品便能得出，作品里面时常可见书籍、沙漏、镜子以及正在流泪的蜡烛等。这都代表着当时人们对人生的追求、对命运的感叹，此外这还意味着当时苦难的面包与酒水，当然还有对圣母、圣徒和三位一体的敬仰。《有棋盘的静物》就是当时的著名代表作[2]。

二、静物油画的审美价值特征

(一)油画中的静物具有色彩之美

在静物油画创作时，画家对内容主次进行突显一般是通过色彩对比。一般情况下，一幅画中只能有一个主静物，剩下的都是辅静物，因此画家需要通过调节色彩来突出主静物，以此来突出主静物的魅力。另外，除了主静物外，需要对剩余的辅静物进行统筹安排，如对辅静物的位置、比例等进行统筹策划和安排，以此衬托通主静物的美感，传达整幅油画的蕴意。每一幅画面都有其独特的色彩倾向，比如冷色调、暖色调、亮色调或者暗色调等，但每一幅画都要以其主色调为主，颜色搭配不能过多、过杂，但这并不意味着不需要其它色调的衬托，其他色调可以起到突出主色调，促使整幅画面显得协调统一、凹凸有致的作用。油画作品的派别类型不同，特出特点也存在差别，举例来说，印象派的大部分画家，展现画面的生机与活力时多使用光色变化，而后期印象派的画家保罗塞尚则是采用独特的主观色彩来展现艺术的本质及创作理念，他的代表作有《花与水果》《静物》等，另外后期印象派画家梵高对作品主体与个人观念进行展示时，多是通过色彩，其代表作包括的《星空》《向日葵》等。如在梵高的名作《向日葵》中，表达自己的爱情情感时，就是大幅度使用黄色调，使用这种火一般的热情，描绘一个静态的景物，进而使二维画面的向日葵，展现出十分恢弘的气势，从画面中还能读出他对爱情的呐喊与渴望[3]。

(二)静物油画中的构图具有形式之美

形式是静物油画的“骨骼”，情感是静态优化的血肉，没有形式，画家便无法表达个人情感与人文素养，没有情感，静物油画也就没有了生命力。构图形式与生命情感都是静物油画不可缺少的组成部分。当前，静态油画作品构图时，不再仅仅是客观物体的直观体现，更多是画家个人情感的表达，构图形式在无形中成为画家个人情感表达的载体，一定程度上促进画家情感表达的多样化和个性化。在静物油画中，主要的构图要素包括点、线、面以及色彩，在进行构图的过程中，画家需要结合实际条件遵循合理、对称等原则，旨在用简单大方的绘画语言，对画中静物间的比例和位置进行合理的调整和选择，进而使静物油画的视觉美感可以得到更加淋漓尽致的展现[4]。当前，很多油画大家常将日常生活用品作为绘画对象，如水杯、牙膏、牙刷等，虽然这些都是简单的静物，但后人却可以穿越这一静态画面，对画家的生活的那个时代进行充分的感受，领略到那个时代特有的文化气息。当然还有一些画家对构图的整体秩序十分重视，他们更喜欢围绕主体展开构图，绘画意图倾向于构图布局的整体性、严谨性与主体的突出性，物体的长短、大小，都布置得极为妥当，给人一种整齐感、舒服感。除此之外，也有一些画家喜欢整体有序的将看似凌乱的抽象布局展现出来，针对这样的作品，如果我们可以细致品味和揣摩，便会发现其中存在端倪，在亮色梯形与重色梯形相互渗入的画面背后蕴含着作者的独特情感。值得注意的是，将零散的物象组成一个整体，需要坚持黄金分割的原则，进而将静物油画的情感展现得淋漓尽致。

文章来源：《赤峰学院学报(哲学社会科学版)》 网址: http://www.cfxyxbzzs.cn/zonghexinwen/2020/0709/356.html